«Вот и Весна, и Венера идет, и Венеры крылатый Вестник грядет...», Лукреций «О природе вещей»

Очень важно иметь хотя бы самое общее представление об особенностях различных направлений и школ в живописи, кроме умения искать замысел художника в композиционном построении, в почерке и выбранных материалах и читать его чувства.

Древнерусская живопись изображала то, что можно узреть «очами ума». Её изображения вели к раскрытию внутреннего смысла вещей и их связей. Мы не видим в плоских и как бы деформированных фигурах иконописи свидетельство неумения художника, а восхищаемся поэтической речью её линий и красок. Особенно внимательными при общении с древнерусской живописью надо быть к её композиции и цвету. Ведь иконопись — искусство каноническое, а канон – это твердо установленный свод правил изображения. Не только сюжеты, даже цвет одежды, позы и жесты святых были определены каноном, согласно, которому и творили все древнерусские иконописцы в течение нескольких веков. И тем не менее одно и то же «Преображение» у Феофана Греко и Андрея Рублева раскрывает совершенно различные стороны взаимоотношения человека и мира. Прочитать эти смысловые оттенки можно именно в композиции иконы и в её колорите. Не случайно исследователи говорят о «моральном значении» композиции в древнерусской живописи, которую называют «умозрением в красках».

Феофан Грек, «Преображение Иисуса Христа пред учениками на горе Фавор», около 1403 г, доска липовая, паволока, левкас, яичная темпера, 184 x 134 см, Государственная Третьяковская Галерея, Москва

Ранее автором иконы считался Феофан Грек или художники его мастерской, однако современное постановление атрибуционной комиссии Третьяковской галереи отвело его авторство, и икона считается произведением «неизвестного иконописца».

Андрей Рублев, «Преображение Господне», Благовещенский собор Московского Кремля.

Об этом выдающемся произведении, где наиболее отчетливо видны не только манера, но и миросозерцание великого художника, написано, пожалуй, больше, чем о всех других праздничных изображениях из Благовещенского собора. Несравненно лучше других сохранившееся «Преображение» вызывает у исследователей исключительно высокую оценку. «Особенно хорошо «Преображение», выдержанное в холодной серебристой гамме. Надо видеть в подлиннике эти серебристо-зеленые, малахитово-зеленые, бледно-зеленые и белые цвета, тонко гармонирующие с ударами розовато-лилового, розовато-красного и золотистой охры, чтобы по достоинству оценить исключительный… дар художника» (В. И. Лазарев).

Средневековая живопись была искусством для «умственного созерцания», поэтому она отражала не внешние формы жизни, а представления, идеи о её смысле и законах. Этим и объясняется условность её изображений.

«Битва при Креси», миниатюра из «Хроник» Жана Фруассара, XV в.

В творчестве художников эпохи Возрождения проявляется интерес к познанию способов нашего чувственного восприятия мира и к построению изображения в связи с законами зрения. Картина уже мыслится как «окно в мир» и поэтому получает раму и единую точку зрения на всё пространство (а в иконах каждый предмет дан с точки зрения своего зрителя).

Сандро Боттичелли, «Весна», 1482 г, доска, темпера, 203 х 314 см, галерея Уффици, Флоренция.

Самое известное и самое загадочное произведение Боттичелли «Весна» (Primavera). На создание полотна живописца вдохновил, в частности, фрагмент из поэмы Лукреция «О природе Вещей»:

«Вот и Весна, и Венера идёт, и Венеры крылатый
Вестник грядёт впереди, и, Зефиру вослед, перед ними
Шествует Флора-мать и, цветы на путь рассыпая,
Красками всё наполняет и запахом сладким…
Ветры, богиня, бегут пред тобою; с твоим приближеньем
Тучи уходят с небес, земля-искусница пышный
Стелет цветочный ковёр, улыбаются волны морские,
И небосвода лазурь сияет разлившимся светом.»

Над Венерой вверху мы видим Амура — спутника богини любви. Он с завязанными глазами (любовь слепа) целит огненной стрелой в одну из граций.

Картина находилась в доме Лоренцо ди Пьерфранческо Медичи, позднее была перевезена в Кастелло и находилась у семьи Медичи вплоть до угасания рода в 1743 г. Из запасников Уффици, она вернулась в галерею Уффици только в 1919 г. Её мало кто видел на протяжении около 400 лет. Теперь же — это одна из главных жемчужин Уффици.

С конца 19-го века в живописи появляются направления, сочетающие использование при изображении данных нашего зрения и данных нашего знания. Например, кубисты противопоставляли зрение знанию, которые считали первостепенным. Отсюда их установка на изображение предмета с разных точек зрения одновременно, разложение его на простейшие элементы (куб, шар, цилиндр, конус) и их конструирование на плоскости картины в неожиданной последовательности. Один из представителей кубизма, Пикассо, говорил, что если импрессионисты изображали мир таким, каким его видели, то он изображает мир таким, каким его мыслит.

Пабло Пикассо, «Алжирские женщины», 1955 г, холст, масло, 114 х 146,4 см, частная коллекция Хамада бен Джасима бен Джабера Аль Тани, Доха (Катар)

По экспертным оценкам, Пикассо — один из самых «дорогих» художников в мире. В 2008 году объём только официальных продаж его работ составил 262 млн долларов. Картина Пикассо «Алжирские женщины», проданная весной 2015 года в Нью-Йорке за 179 млн долларов, стала самой дорогой картиной, когда-либо проданной с аукциона.

Клод Моне, «Женщины в саду», 1866 г., холст, масло, 255 х 205 см, Музей Орсе, Париж.

Другой французский художник, представитель постимпрессионизма Сезанн, пытался в своем творчестве соединить данные зрения и данные знания, вкладывая в изображение предмета и пространства то, что видит наш глаз, и то, что знает о них наш ум.

Поль Сезанн, «Девушка у пианино (Увертюра к «Тангейзеру»), 1868 г, холст, масло, 57,8 х 92,5 см, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Фовизм — еще одно направление в живописи начала 20-го века, вызывающее затруднения при восприятии. Сам Анри Матисс, один из его представителей, говорил о своих портретах: «Если бы я встретил такую женщину в жизни, то в ужасе убежал бы от неё… Но я создаю не женщину, а картину».

Анри Матисс, «Танец», 1910 г, холст, масло, 260 х 391 см, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.

Анри Матисс, «Танец» (первая версия), 1909 г, холст, масло, Музей современного искусства, Нью-Йорк

Картина «Танец» — созданная в 1910 году существует в двух версиях: первая находится в Музее современного искусства в Нью-Йорке, вторая и наиболее известная — в Государственном Эрмитаже в Санкт-Петербурге

Признавая право художника творить мир на холсте заново, Матисс опровергал зрительное правдоподобие форм, противопоставляя ему правдоподобие ощущений, передаваемых через аккорды цвета и выразительный голос линии. В творчестве Матисса и других фовистов основную роль играет открытый цвет, сила и выразительность, которого доведены до предела. Чистый цвет диктует свои законы изображения, отсюда и уплощение пространства и «сдвиги формы» (деформация очертаний предметов).

«Человек видит, только, то что знает», — говорят психологи. И поэтому многие особенности языка того или иного живописца наш глаз не в состоянии заметить, если его не будет направлять наше знание. Некоторые художники, оставив в своих письмах, дневниках, заметках всякого рода пояснения и размышления, могут быть прекрасными экскурсоводами по своему творчеству. Подобной литературы издается много, и читается она с большим интересом. Освоив с её помощью особенности различных направлений и школ в живописи, вы пойдете в музей или на выставку уже с «новым зрением».

В следующих наших заметках мы рассмотрим основные стили и направления изобразительного искусства.

Друзья, поздравляю вас с приходом Весны! :)

С уважением, Валерия